Amor y Muerte (de México a Viena)

Una visita a “Viva la Muerte” – Arte y Muerte en América Latina
Kunsthalle Viena, Octubre 17, 2007 – Febrero 17, 2008.


La tumba del último Emperador de México, Su Majestad Imperial Maximiliano I, es resguardada en la Cripta Real, en Viena, Austria, desde tan solo un año después de haber sido públicamente ejecutado por un pelotón de fusilamiento en México, en 1867.
Antes de convertirse en Emperador, Maximiliano era apenas un Archiduque. Oficialmente era su Imperial y Real Alteza Archiduque Maximiliano de Austria, Príncipe de Hungría y Bohemia, a la edad de 34 años fue nombrado Emperador por Napoleón III y enviado a México junto con su esposa, la Emperatriz Carlota. Esa historia de amor tuvo un abrupto final.
Si hubiera sido por los mexicanos, los huesos de Maximiliano (ausentes de su sangre azul) hubieran sido abandonados en una pila junto con los de sus lacayos o sus soldados franceses, su cráneo adornando una piqueta. Mientras que su ejecución fue un triunfo nacional para el Presidente Benito Juárez, para los austriacos (y europeos en general) fue una completa desgracia.
Así que los cráneos y la colección de calaveras (esqueletos) reunidos en la muestra “Viva la Muerte” que se presentó en la Kunsthalle de Viena, molestan, incluso parecen orinarse en la tumba del pobre Maximiliano, puesto que ésta exhibición está prácticamente cruzando la calle de los palacios y cripta de la realeza Vienesa.
El concepto para “Viva la Muerte” está parcialmente inspirado por el “Día de los Muertos”, por lo que se exhiben calaveras, cráneos, flores y altares honrando a los ancestros. En momentos es coloridamente alegre y por esto, similar a la desinhibida y ruidosa, aún cuando a veces igualmente macabra, fiesta, celebrada privadamente en los hogares y públicamente en cementerios a todo lo largo del territorio mexicano. Es la muerte con una sonrisa, una carcajada y un golpe al estomago –para recordarnos que uno tiene suerte si no tiene hambre ese día.
Más allá de esto, la exhibición cala profundo y dolorosamente dada la siempre presente, continuada cultura de la violencia y de la muerte (conectadas con el bajo costo de la vida) en América Latina y particularmente para aquellos que viven en la Ciudad de México (la más peligrosa del mundo), Colombia, Guatemala, Brasil, etc.
Con la curaduría de Gerald Matt y Thomas MieBgang, las obras tocan un nervio vivo, revelando una gran masa de tierra y a su gente, a la que se le ha hecho un gran mal. Por otro lado, con muestras como ésta, los artistas (representantes de generaciones de silencio) finalmente pueden responder, hablar en voz alta y dejar claro que a ellos no les interesa si habrá repercusiones o no.
Esta actitud es especialmente poderosa en el video “¿Quién puede borrar las huellas?” de Regina José Galindo (nacida en 1974), quien camina descalza por las banquetas de la Ciudad de Guatemala, llevando consigo una fuente de metal llena de sangre en donde periódicamente mete sus pies para dejar huellas de sangre en su camino. Galindo camina con paso firme desde el edificio de la Corte Constitucional hasta el Palacio Nacional y cada huella simboliza los miles de civiles inocentes que murieron a manos del ejercito y de los grupos paramilitares (apoyados financieramente y militarmente entrenados por la CIA), durante la “guerra civil” o enfrentamiento agrario de casi cuarenta años de duración entre los Indios Mayas y los Ladinos (dueños de plantaciones, mestizos) de 1954 a 1996. Aún cuando está oficialmente terminada, esta lucha continua.
“Quién puede borrar las huellas” fue producida para protestar contra la candidatura del ex dictador Efraín Ríos Mont en las elecciones presidenciales del 2003. Aún cuando el General Ríos Mont solo estuvo en el poder de 1982 a 1983, se le reconoce como uno de los más crueles dictadores militares en la historia de Guatemala con algo así como 10,000 Indios asesinados y más de 100,000 que escaparon hacia México debido a su campaña ”Cristiano-fanática” contra los izquierdistas sospechosos.
Juan Manuel Echeverría (nacido en 1947), presenta obras de su serie “Corte de Florero”, que consisten en claras fotografías en blanco y negro de huesos humanos acomodados en forma de arreglos florales y fotografiados en el estilo de las imágenes botánicas. Rinde homenaje a una famosa expedición botánica a Colombia en los 80, que inició la primera clasificación y análisis de la vegetación indígena. El nombre de sus series, sin embargo, se refiere también a la práctica brutal muy común durante los conflictos políticos de los años cincuentas en Colombia, entre los izquierdistas (campesinos) y los conservadores (terratenientes). En aquellos días, “Corte de florero”, era el término vulgar para el desmembramiento de partes corporales y la cabeza de las victimas, éstas extremidades amputadas, eran encajadas en el cuello de la víctima, como se ponen las flores en un florero.
El “Cráneo de Payaso” de Vik Muñiz, es una calavera humana real (en una caja de cristal), intacta con dientes, una sonrisa y la nariz bulbosa de un payaso (que luce como hueso) forzada dentro. Para Muñiz (nacido en Sao Paulo, en 1961), el cráneo de payaso se refiere a la dictadura militar derechista del Brasil durante las décadas de los sesentas y setentas. Es una imagen de la muerte riéndose en el rostro de sus víctimas –el rostro esquelético de un payaso, un bufón, y por serlo, posando como inocente, es el rostro que despeñó al Brasil en el “terror, la censura, las mentiras y el fraude”, bajo el disfraz de las reformas”.
Otro Brasileño, el estimado Cildo Meireles, nacido en 1948, comanda la sección central de la exhibición con su instalación “Cómo construir catedrales” (1987). En esta obra, negras cortinas rodean un espacio vacío, dentro del cual penden verticalmente 2000 huesos de piernas humanas; al centro del espacio hay un estanque de monedas de plata (60,000 de ellas), y levantándose de este mar de dinero se encuentra una delgada pila de 800 hostias (utilizadas en las misas Católicas). El dinero se encuentra rodeado por bloques de cemento gris, con una tenue luz proveniente de la parte superior (arriba de los huesos) creando una calmada, espiritual atmósfera.
Esta obra nos recuerda la era dentro de la historia Sudamericana, cuando siete misiones Jesuitas se establecieron, entre 1610 y 1767, en Brasil, Paraguay y Argentina, para convertir a los Indios al Catolicismo, en lo que fueron de hecho campos de indoctrinación para esclavos. En este brutal intento de convertir a toda una civilización a una nueva religión, una “conexión fatal de poder, riqueza y espiritualidad” enraizó y aún mantiene una inestable presencia en la sociedad.
Cristina García Rodero (nacida en España, en 1949) presenta una serie de fotografías titulada “España Oculta”, de habitantes de pequeños pueblos Españoles (en tiempos modernos) siguiendo centenarias celebraciones paganas o ancestrales, rituales y procesiones, no muy diferentes a los rituales y procesiones de la España Católica con sus propios y extraños rituales medievales. Entonces, el inusual matrimonio de culturas que engendró el “Día de los Muertos” no debería sorprender a nadie, puesto que ambas culturas tienen profundas raíces en la muerte y la violencia, como si hubieran estado destinadas a encontrarse en algún punto de la historia: los Católicos de España con su inquisición y sus ocultos rituales paganos y los Aztecas, con su propia estética de la muerte incluyendo sangrientos sacrificios humanos a su dios sol.
Afortunadamente, el humor negro nunca es olvidado, especialmente con las obras del artista Mexicano conocido como Dr. Lakra (nacido en 1972) quien dibuja enigmáticos esqueletos sobre rescatadas fotografías de estudio, postales y pósters de una época anterior. Sin importar que tan glamoroso o sexy se sea, la muerte siempre está presente –su sombra está justo a la vuelta de la esquina, con un dedo apoyado en su hombro y suyo es el mensaje de las bellezas alteradas del Dr. Lakra.
Finalmente, subrayando la aleatoria mezcla de culturas en esta exhibición, la sociedad Cubano-Americana de Jennifer Allora (nacida en Filadelfia en 1974) y Guillermo Calzadilla (nacido en La Habana en 1972) ambos residentes de Puerto Rico, presenta un trabajo videográfico titulado “Sweat Glands, Sweat Lands” (Glándulas Sudovíparas, Tierras Sudovíparas, (2006), chusco como el infierno, pero con una filosa dentadura.
El video inicia con tomas de acercamiento de un cerdo rostizandose, girando en el patio trasero de alguien; entonces el observador se da cuenta que el asador gira gracias al eje de arranque de un automóvil, el cual está estacionado (sobre ladrillos). Un tipo está sentado en el auto controlando el acelerador y tranquilamente, fumando un cigarrillo, escuchando algo de reggaeton o, mejor dicho, a un cantante de reggaeton recitando un poema político, en Español y, solo una muestra del mismo, dice algo así como: “¿Cuál es el orden social?, ¿Cuál es su orden especial?, ¿Jugo de Perro Caliente?, ¿Democracia?. El cantante recita acompañado por un zumbido constante, ningún toque de ritmo, lo que da a sus palabras un filo mas duro.
La escena es tanto ridícula cuanto realista en su contexto. Así, con todo el equipaje político y socio-histórico adjunto a las obras de esta exhibición, un total de 24 artistas han creado colectivamente una abrumadora sensación de desesperanza aunada a una repelente, al mismo tiempo atractiva, sonriente y dulce esencia de la muerte. Hay demasiada muerte en “Viva la Muerte” lo que puede ser apabullante y desmoralizador, pero también nos lleva a entender el cómo muchas personas (especialmente las victimas inocentes) sienten en sus contextos.
Existe una cita inspiradora para esta muestra en la voz de Octavio Paz: “Nuestro culto de la muerte es un culto de la vida, pues todo amor sediento de vida ansía la muerte”, lo que es un poco más mosca y anzuelo, como sea, que un sumario detallado de las obras en ésta exhibición colectiva.
Es muy probable que la Kunsthalle Viena tuviera la intención de que la co-exhibición y atracción principal, una muestra grupal titulada “True Romance –Allegories of Love from the Renaissance to the Present” (Romances Verdaderos- Alegorías de amor del Renacimiento al Presente), ofrecería una válvula de escape o contrapunto psicológico para “Viva la Muerte” de hecho, es la contrapartida perfecta y la proyección en un gran video muro del trabajo de Marina Abramovic “Rest Energy”(Energia en Descanso) a la entrada, deja el asunto perfectamente claro: un hombre y una mujer se ven a si mismos con un gran arco y flecha entre ellos –la mujer sostiene el arco, mientras que la flecha está dispuesta y lista para dispararse directo a su corazón, pero el hombre sostiene a la flecha (al mismo tiempo la retrae, evitando que se dispare y preparándola para disparar).
Se detiene a la muerte con tan solo un dedo sosteniendo una cuerda. La distancia de “Viva la Muerte” a “Romances Verdaderos” es un viaje de dos minutos, cerca de cincuenta pasos ascendiendo una escalera –la distancia entre el romance verdadero, el amor y la muerte, en “Rest Energy”, es una fracción de segundo.

01.01.2008