Q: contra la corriente

Lucho constantemente para llegar al momento cero en el arte. Ni más ni menos. Ni mucho ni poco.

IKW


Mientras estaba recapacitando sobre las palabras anteriores, Igor Korpaczewski se ha mantenido ocupado. Cuando conocí a Igor iba a ver algunas litografías y Korpaczewski estaba exhibiendo en la muestra Resetting en la galería de la biblioteca de la ciudad de Praga. En ese momento, cundo se suponía que iba a salir el artículo, su base eran los estudios Meetfactory de Praga en donde Q: había armado el enorme medio ambiente de Wake-up! Al escribir ésto, Q: se encuentra instalando la muestra Starstop en la galería Benzinka en Slany. El artista sigue siendo considerado como alguien que lleva una vida relativamente solitaria y que da presentaciones públicas con la eficiencia de un perfeccionista introvertido.
La idea de contemplar todas las instalaciones de Korpaczewski en una sola vez me vino a la mente cuando Igor y yo nos encontrábamos arreglando la exhibición de Q: en el espacio 36 de Olomouc, una galería que yo dirijo. Durante las numerosas y largas conversaciones telefónicas que precedieron a la exhibición Sen Insomnie (Sueño de Insomnio), sentí como si pudiera visualizar todas las instalaciones previas de Igor. Fue como si una de las condiciones para montar la exhibición hubiera sido tener una documentación completa de las obras anteriores y al mismo tiempo un congelamiento total de sus proyectos por realizar.

El lenguaje y las maquinas silenciosas.
Igor Korpaczewski es KW y También es Q: o IKW, dependiendo de la situación. “Tuve la sensación durante el tiempo de Konfrontaci (Confrontaciones), que se llevó a cabo en 1990, que yo preferiría tener sólo un número o simplemente algún tipo de símbolo” explica, añadiendo que escogió KW, siglas que su madre utilizaba como marca editorial para las correcciones o traducciones. “Al inicio del milenio, me dije que debería deshacerme del KW, pero quería mantener ese sonido”. Desde el 2001 ha venido utilizando Q: para sus obras en espacio tridimensional con el objeto de diferenciarlas de sus otras obras, principalmente pinturas, que están firmadas KW.
La exhibición Resetting, que se instaló a principios de año en la galería de la ciudad, sucursal de la biblioteca de la ciudad de Praga, por el curador Petr Vañous y el artista Petr Malina, mostró técnicas similares de pinturas una al lado de la otra y de esta manera, el énfasis se puso en las técnicas utilizadas en su creación. Obras con la firma KW o Q: se encontraban a todo lo largo de la exhibición, y destacaban bien en ese contexto. En algunas obras, los automóviles substituían a las figuras. Para el artista, el automóvil merece el status de un ser: le asigna expresiones, silencio; muestra la existencia en las fronteras entre lo vivo y lo no-vivo, donde se agita la llama de la vida tras las obscuras y opacas ventanas. Un auto sin volante de dirección es una metáfora nada ambigua. Las pinturas de Korpaczewski crearon también su propio espacio por la tensión existente entre los lienzos y sus títulos (KW A Spell of a Drug, 2007; KW: Enjoy your Life Experience, 2007; KW: I Say: Danger!, 2006) que sugieren temas novelísticos.
Korpaczewski parece tener algún tipo de sistema establecido para clasificar percepciones mediante el cual, un almacén completo de motivos ayuda a expandir los temas y luego emplea un principio poético para su organización. No quiero decir con ésto que lo expresa en palabras. Me refiero a la manera en la que coloca objetos y pinturas dentro de la instalación y le permite al significado surgir de entre ellos. En la construcción de una novela, es el estado psicológico del personaje, la personalidad sólidamente construida, cuya interacción con otros personajes o situaciones impulsa la trama.
Cuando habla sobre sus pinturas, está hablando sobre el lenguaje, la novela y la poesía –los unos y los ceros con los que codifica su mensaje. Sus pinturas se construyen a partir de pinceladas; es más un dibujante que un colorista. Cuando observamos las pinturas de esta manera, se torna un paso lógico el moverse hacia el espacio tridimensional. Todas las imágenes, objetos y textos tienen un peso en las instalaciones pictóricas de Q: y por eso mismo van mas allá de la teoría de que “la imagen es la cosa superior, cuya sola raison d´être es que todo ocurre dentro de ella y nada de lo que la rodea tiene ninguna importancia…” En las instalaciones de pinturas, estas conexiones no son descriptivas, pero crean una estructura compleja –mientras que al mismo tiempo se están constantemente desintegrando.
La fuente o material original se absorbe o duplica a través del contenido. Para mí, las obras de Korpaczewski siempre tienen un claro margen de legibilidad –un momento en el que, tras larga espera, los golpes de brocha o los elementos de una instalación hacen resaltar la imagen o el significado. La manera en la que las pinturas o las instalaciones se ensamblan es importante para su contenido. Es gracias a esto que somos capaces de apreciar lo que vemos frente a nosotros. Esta constante transformación del material en la imagen y de la imagen en el material le da a los cuadros de Korpaczewski una dinámica que paradójicamente refuerza su significado como si lo consolidara. La novela no puede continuar y todas las posibilidades del tema permanecen dentro, sin posibilidad de salir ya sea por mera circunstancia o por estar agotada la narrativa.

Sobre la pintura Dissappearing (Desapareciendo):
“Tenía la sensación psico-física de que los átomos se desintegraban, fue aquí, en estas áreas donde pinté los tambores y luego el retrato sobre ellos. Luego hice variaciones, tenía un espejo y me pinté con los tambores de fondo –pero no era lo suficientemente fuerte. Quería que tuviera más masa, que fuera más filoso… La versión final es tipo Cezanne… En lugar de pátina, le aplique una capa de barniz sobre los tambores. Traté de descifrar la pintura… Se lo que quiero y no quiero saber cómo hacerlo. Tengo que leerla en dos dimensiones para después poder leerla en tres dimensiones –algo que no tiene nada en común con el espacio real. Es como si hubiera mezclado esos ceros y unos lo suficiente como para que algo emergiera”.
Decidí dejar en el texto esta resonante cita de una conversación durante la cual Igor me explicaba sus inspiraciones y sus objetivos en conexión con el contenido de sus obras. Pero me parece igual de adecuado simplemente considerar lo que es visible o –para mi- llama la atención sobre si mismo.

Stella Maris.
El proyecto Stella Maris (1998) se exhibió en la galería JNJ de Praga en 1999, en la galería U černého pavouka en Ostrava y en la galería Titanic en el Teatro de la Música de Olomouc. Pinturas sobre lienzo, cajas plásticas y objetos más pequeños en poliestireno fueron acompañadas por textos cortos (en las páginas XX-XY). Todo fue arreglado en una fila y podía leerse de derecha a izquierda. Korpaczewski intentó una historia “materializándose en los objetos, cuadros de película convertidos”.
“Al principio, una foto de una embarcación negra alrededor de la cual pequeños botes de vapor navegan alejándose” Las imágenes capturan al capitán y a su esposa, mientras que los objetos de celofán y poliestireno permiten una visión del submarino a través de los organismos mecánicos. El barco simboliza su vida. Mientras más se quería conectar, más solo se encontraba” La historia del capitán de barco que evitó el rescate y acabó en el fondo del mar, cuelga de unos pocos objetos fragmentados, fotografías –bolas medicinales del cobertizo de Martín Horák, los guantes de una obra, objetos asociados con la niñez. Un cuchillo en una barra roja, cosido bajo celofán plástico color azul y apuntando hacia el suspenso psicológico en la película de Polanski “Knife in the Water” (Cuchillo en el Agua).
Korpaczewski dijo que era importante el haber encontrado algunos de los objetos en lugar de haberlos hecho él mismo. La obra Frutti di mare se presentó como un tipo de prólogo para Stella Maris. Contiene piezas de materiales artificiales (el fondo de una cubeta y cosas así) que recalaron en la costa Italiana, a partir de las cuales emergen rostros dibujados con plumas de punta afelpada o utilizando una jeringa hipodérmica llena de pintura. Cuelgan del cielo raso de la Galería JNJ, unidos a un alambre, como si fueran las pequeñas y raras gemas de un collar. “Es algo que debería estar en algún lugar de las profundidades, entonces surge y en sí mismo aún conserva algún tipo de superficie”.
Korpaczewski llega a sus temas de una manera similar a la de sus creaciones. “Cuando trato de explicar cómo hago algo, siempre pregunto cuál fue su origen y hacia dónde me llevaban las circunstancias. Por ejemplo, me preguntaba mi novia qué razón tenia tener un dios que permitía que existiera Auschwitz. Eso me llevó a Young Gods (Dioses Jóvenes, serie pictórica, 1996) que, sin proponérselo, adoptó un aspecto cómico en el que Dios era un héroe de acción. Actualmente, los Young Gods vienen de la dirección opuesta. No vienen del cielo, vienen de las cloacas. Un dios capaz de ponerse en los zapatos del otro, que derrama lágrimas pero que también actúa”.
Stella Maris fue el primer proyecto en el cual Korpaczewski utilizó el espacio de una galería para narrar una historia, y mejoró en numerosas innovaciones que había utilizado anteriormente, por ejemplo, materiales contrastantes: “Plastic meets classics” fue el nombre de una exhibición de KW en la galería Radost FX de Praga en 1995. En ella exhibió pinturas envueltas en material plástico del que se utiliza para envolver alimentos, enmarcadas por una moldura de poliestireno. El título de esta muestra subraya el principio que corre a través de toda la obra de KW -una reunión de snobs y plebes. Hace esto por necesidad y no por extravagancia. Es un movimiento en la frontera donde los significados existenciales en el mundo posmodernista se doblan y se pierden, un movimiento en la frontera que para el autor es el único sendero legítimo.
Korpaczewski utiliza técnicas clásicas y grandes temas como si quisiera prevenir su devaluación. Su “pre-devaluación” preventiva que al mismo tiempo dirige la atención a su mala utilización, su relatividad, a la pérdida de la inocencia al utilizarlos. “Yo hago que una niña parezca un vampiro, y por la forma en la que tiene su sangre, no queda claro si la sangre fluye hacia fuera o hacia adentro, si está sangrando o si le ha chupado a alguien la sangre. Se llamó Dovnitř nebo ven (Dentro o Fuera).” Una serie de pinturas y dibujos con el tema de la levitación se exhibió en la galería bajo el café Velryba titulada Extáze nebo trik (O umění) (Éxtasis o un truco (En el Arte). “Fue acerca del arte y acerca del hecho de que alguien pudiera tener algo muy dramático y que al mismo tiempo pudiera estar inventándolo todo, no siendo tan fácil detectar la diferencia”.
Con el objeto de utilizar sus imágenes como un medio para sus ideas necesita utilizar opuestos. Nada a contracorriente. En el último cuadro de Stella Maris, titulado Perla, el capitán emerge de las aguas del otro lado con una perla en su boca. Las palabras dejan de ser necesarias.

Transparente
En la instalación Stella Maris en el teatro de la música de Olomouc, del lado reverso de vitriny ve foyer (Vitrina en el foyer), colgaba una tira reluciente de piel de víbora cubierta con celofán negro: Adamova pomsta (Venganza de Adán). La silueta atrapada de una figurita de los años treinta podía verse a través de un celofán semitransparente color azul enmarcado por una moldura negra de forma octagonal, que discretamente recordaba un ataúd revelando una figura obscura. El retrato de una mujer sobre una tapa de plástico transparente, la parte de abajo pintada con spray y la parte superior trabajada utilizando marcadores de punta de felpa y pintura acrílica, fue fotografiado por Robert Portel rodeado de textiles retorcidos y materiales plásticos en grandes cajas de plástico con el objeto de lograr un efecto de “caja de bombones”.
¿Por qué son los materiales transparentes o semitransparentes tan importantes para Korpaczewski? Le permiten obstruir la vista, le proporcionan distancia. Los platos de microondas que cubren la pintura en lugar de cristal, la protegen distanciándola de ser un registro de la realidad, acercándola más al carácter esencial para el que las técnicas de pintura en vidrio o cristal son utilizadas.
Marcos de poliestireno, celofán protectivo, vidrio, monturas y tapas de cajas de plástico forman la base para la pintura, lo que demanda atención especial; al mismo tiempo, los materiales utilizados sitúan la pintura en el presente. Las marcas individuales de las pinturas son piedras preciosas montadas en el telón de fondo, como ojos –preciosos signos de vida colocados dentro de la masa del rostro. Brillantes, transparentes u otros materiales con efectos ópticos provocan la ilusión de movimiento al trabajo del pincel.
La oscuridad, o más correctamente, el ocaso, juega un papel similar al de los materiales semitransparentes. Retrasa nuestra percepción de la instalación y paradójicamente, enfatiza los valores del espacio, tales como la profundidad y la amplitud. La selección de iluminación en partes de la instalación le permite a Korpaczewski organizar el marco temporal en el que percibimos la obra. Esta pantalla óptica, ya sea formada por materiales semitransparentes o por oscuridad, evita que muchos secretos se revelen.

Paz en la Tierra.
La instalación Peace on Earth (Paz en la Tierra) se exhibió por vez primera en el 2002 en la galería At Home de Samorín, una antigua sinagoga. “Había un techo primorosamente pintado, un lugar increíble, esperando el toque de la luz, todo pintorescamente desordenado, y en medio de todo esto, pedestales esperando el toque del arte contemporáneo, que es lo que necesitan todas las cosas. La primera idea que tube fue sellar las ventanas –yendo contra la corriente”. El subtitulo –tableau vivant- una imagen viva, atrapa el corte peculiar entre la segunda y la tercera dimensiones, una realidad virtual hecha en base a cartón corrugado y plástico, que tan sólo podía ser vista desde un corredor bajo la galería a través de una pequeña apertura en una pared creada artificialmente. Una escalera de hierro cubierta a los lados con una lona lleva hacia ella, justo como un submarino Alemán. Las ventanas fueron completamente cubiertas, a excepción de los filos en donde unos tubos dejaban entrar una luz difusa. En el suelo cubierto de arena descansaba un modelo de cinco metros de largo hecho de cartón reforzado, como si fuera un modelo en miniatura armado con cemento escolar de un buque de guerra; sobre el mismo, colgaban medusas de plástico.
“Durante la Primera Guerra del Golfo, estaba presentando un taller en la Galería de la Juventud y entre el grupo había personas de Berlín occidental que estaban muy en contra de Bush padre y de los americanos, yo dije que eso era grandioso y que hubiera sido tremendo en los ochenta si hubiéramos tenido a alguien que se levantara contra esos rusos, búlgaros, polacos y húngaros. En ese momento, el entusiasmo posrevolucionario se empezó a enfriar y se podía ver cuan confundidos y desconcertados estaban los americanos… La conclusión lógica de todo ésto es el “kóan”, la gente siempre atacará a otra gente y ésta siempre tenderá a defenderse. ¿Cuándo pararán? Cuando no quede más gente.
La pequeña ventana bajo la galería fue cubierta por una capa de celofán gris y en la oscuridad el barco parecía ser una cosa enorme a dos kilómetros de profundidad. Se producían corrientes de aire gracias a un ventilador en la esquina de la habitación, provocando que las medusas se movieran gentilmente, dándole vida a la imagen –tableau vivant. La atmósfera de la galería aumentó gracias a una corta grabación en cinta de audio con un piano. Esta música era triste y en algunos lugares amortiguada, como si también viniera de las profundidades. “La madre del dueño de la galería creyó que habíamos puesto agua y un critico de arte pensó que era un vídeo”.
Una pintura formada sobre los principios del diorama, pero aun así una pintura, sin importar que haya sido construida de una manera diferente, nos muestra cuán lejos ha llegado Korpaczewski con su obra en tres dimensiones comparándola con la típica concepción de las instalaciones. Sus obras espaciales hacen hincapié en áreas tales como la realidad virtual, pero al mismo tiempo están apoyadas en la ilusión creada a partir de técnicas simples.
Korpaczewski reaccionó de una manera similar a como lo hizo Šamorín en un espacio de exhibición anterior en la Malá Špálovka KW exhibición de Bůh má oči všude (Dios Tiene Ojos Dondequiera). “También fue una reacción a todas aquellas exhibiciones conceptuales irónicas. Quería hacer una exhibición naíf. Al final presenté una especie de capilla pequeña. Imágenes de aves en las paredes, las que nos observan a nosotros – retratos por derecho propio – simplemente que los pájaros nos vean” Korpaczewski transformó el espacio de exhibición en algo completamente diferente, como si el espacio fuera otro ser con el que el artista estaba trabajando.

Chicas de Combate.
La exhibición de Q:, Diana del 2005, tomó en consideración tanto el propósito como la historia del espacio de exhibición al llevar a cabo la instalación. El café se llamaba originalmente The Globe y tenia dueños americanos. “En el café Ouky douky llevé el pub a la exhibición –la decoración que llevamos al café fue exageradamente pretenciosa, cuadros enmarcados del tipo utilizado para los retratos de cazadores…” Había el retrato de una chica con los ojos cerrados emergiendo de la pintura, mientras que el conjunto del arreglo de mesa consistía en dos imágenes. En una de ellas, una chica puritana del Salvaje Oeste había soltado sus armas, en la segunda, una chica en un traje de guerrera futurista azul copiado de un superhéroe de juego de computadora, sosteniendo un arco. Entre ellas, cuelga un cojín azul –este cojín no era para descansar la cabeza sino para depositar las pistolas de duelo.
No deja de impresionarme el que siempre hay algo de subversivo en los retratos femeninos de Korpaczewski –ya sea que es su propio sueño de rebelión, o la rebelión del artista contra el género de los retratos femeninos.
Q: presentó un tema similar de rebelión femenina y una concepción similar literal del espacio en el despacho de un abogado en la Calle Jáchimová en donde Dusan Brozman fue el curador. “Regresé de las montañas con Pavia, donde los venados deambulan libremente y no quería retornar a esa manera de trabajar en oficinas, escuelas y demás, así que me hice la secretaria ofendida”. La instalación avanza en el sentido del reloj y muestra a una secretaria que se encuentra tirando papel en el suelo –es un dibujo en vidrio, celofán es lo que esta tirado en el suelo, en lugar de papel. Luego arroja los pedazos al aire –una ligera silueta recortada de polietileno y pegada chapuceramente casi en el techo. Luego ella se va, arrastrando su abrigo tras ella, abandona sus zapatillas en el suelo, arrastra sus zapatos deportivos por los cordones y eso es lo que conforma el dibujo en el suelo. Al final, se encuentra un medallón con un retrato que está encendiendo un interruptor, el retrato tiene una apariencia despectiva, calmada y probablemente es el del pintor Mánes.

Solitario.
¿Por qué el nombre del pintor, Josef Mánes, siempre viene a la memoria? ¿Qué es lo que hay en la obra de K que hace necesario regresar a la primera mitad de Siglo XIX? ¿Por qué observo sobre mi hombro el retrato de Mosték de una figura de “gran inteligencia y sutil elegancia” que se pierde en sus ropajes grises contra un fondo gris, debido a que “nunca fue entrometido y jamás impuso su personalidad sobre nadie”?
Korpaczewski se refiere constantemente a lo clásico o, mejor dicho, a lo que se ha vuelto clásico. Casi podría utilizarse la palabra “culto”. Utiliza iconos y representación icónica y luego las coloca en áreas en donde siente que existe una desproporción. El motivo del automóvil en sus obras es aún una reminiscencia de los valores que mostraban las típicas películas americanas de carretera, repitiendo la romántica visión de la libre, pero solitaria persona en un viaje.
La creencia en las posibilidades comunicativas de la imagen pintada se manifiesta en sus escapes a los espacios públicos. “Me gustaría que con el paso del tiempo todavía pudiera hacer un amigo” escribe en uno de los textos de Stella Maris. Parte del éxito de KW y de Q: es que mientras procesos tales como desvanecerse, desintegrarse y retirarse no son bienvenidos usualmente, aquí están atados al concepto o al menos son tomados en consideración.
En 1997, hubo una competencia para elegir un proyecto para el Arte en Espacios Públicos ´97. Se enviaron las propuestas y después se descubrió que la ciudad de Praga no iba a contribuir con un centavo. Korpaczewski habia propuesto la pintura de una chica para la Czech Legion House y la Medical House, la que estaría enfrentando la línea ferroviaria principal, mirando hacia el cielo. “Dos noches antes de que se iniciara, la compañía que reconstruyó la casa del legionario habló con los organizadores para armar este maravilloso anuncio espectacular. Pero yo ya estaba de acuerdo con el dueño del edificio para montar el plan B. Después de ese año, ya no quise hacer una chica… El titulo Timeman vino a mí el quinto día en la torre. Observa y sigue el tiempo porque el tiempo vuela. Los superhéroes americanos usualmente tienen nombres que derivan de sus capacidades o de lo que pueden manipular, por eso –Mr. Time…”. Timeman lentamente se esta convirtiendo en una figura entre sombras en la fachada de la casa Zizkov donde Korpaczewski vive y trabaja.
Entre sus otras obras para espacio público se incluye Tvár (Rostro, 1997), que fue exhibida temporalmente en el Trade Fair Palace de Praga. “Me impactó que si estaba dentro de espacio y la pintura iba a ser acerca de algún tipo de sentimientos, entonces debía de ser un pequeño modelo físico de cómo las cosas funcionan en la vida real, donde la gente comete errores, regresan y ya sea corrijen esos errores o ni siquiera los ven… Y yo debía hacer eso ahí mismo, en ese momento, en la inauguración. Tenia cinco grandes paneles asignados para mí, el original se hizo en lienzo, entonces pinté por todos los tres paneles grandes (sin permiso) durante el transcurso de la inauguración y luego continúe trabajando sobre ellos por otros cinco días durante la exhibición. Allí dejé plásticos, pinturas, una escalera y brochas. La Trade Fair me buscó después diciendo que los paneles en realidad eran de su propiedad, así que habían repintado sobre ellos pues los necesitaban para otra exhibición”.
Desde la ventana de la escalera del palacio municipal de Zizkov se puede ver una monumental escena que Korpaczewski llama “desde los secretos subterráneos de Zizkov” –una destilería de agua viva en un organismo mecánico bajo Zizkov, un detallado espectáculo lleno de actividad que, paradójicamente, permanece escondido de los residentes de Zizkov.
En Mariánské náměstí, antes del Comunismo solía haber una panadería llamada Punčový řez (Pastelería Ron). En este viejo y desahuciado edificio, dos estudiantes, Skrepel y Sopek, tuvieron una exhibición. KW grabó la imagen de un hombre joven en la derruida pared, alargándose desde debajo de la ventana hasta el suelo. En Lisboa, en la pared de una casa frente a la cual su amigo pasaría, pintó un graffiti de un extraterrestre amistoso con la oferta, “Hola Juan. ¿Quieres que te lleve a casa?

Espera, ya voy… ¡Despierta!
En 2006, Korpaczewski bloqueó la luz de la Galería AM180 para la exhibición titulada Q: Hold on I`m Coming, “la habitación era pequeña pero hermosa debido al suelo, era fácil entenderse con él. La mayoría del trabajo supuso deshacerse de muchas cosas que había hecho para que no estuviera sobrecargado”. Un automóvil y un fantasma hechos de papel arrugado sobre overoles estaban prisioneros en una habitación pintada en la pared, como si esta habitación inexistente hubiera sido colocada medio metro más baja que el suelo de la galería y fuera tres veces más grande que la verdadera galería. El motor estaba fuera del auto, que no tenía neumáticos. Una luz de halógeno en el suelo de la galería iluminaba una silueta móvil sobre un globo de espejos giratorio que arrojaba al muro opuesto la sombra de un incansable trabajador caminando arriba y abajo. El movimiento rítmico de la luz marcaba el paso del tiempo en el oscuro cuarto. “Quieres lograr algo y entonces puedes decir al paso de los años, “tan solo un poco más de tiempo… Espera, ya voy. De una manera auto-irónica estaba mirando a mi propio comportamiento.
El espacio de la galería se convirtió en una metáfora para el estudio y la vida interior del autor/héroe principal. Con el proyecto Wake Up! (Despierta, 2008), Korpaczewski expande grandemente en escala el motivo de una magia simbólica en un medio ambiente lleno de esquinas obscuras.
Un titán recostado bajo la señal Wake Up! Sutilmente iluminado por luz que entra a través de una ventana sellada, una aeronave y la panorámica de las luces de un pueblo centelleando desde las profundidades en una pared, todas fueron parte de la exhibición de Q: en la recientemente abierta Meetfactory. El enorme espacio que incluye tres salas siempre será un reto para las propuestas de los artistas que exponen. Korpaczewski trabajó en el lugar durante un mes y comenzó resaltando la intensidad del espacio al dividirlo con cortinas plásticas e iluminación regulada. Aun cuando el proyecto Wake Up! Se exhibió bajo el símbolo Q:, me parece que en realidad era más una exhibición retrospectiva en la que reunió todas sus técnicas artísticas –instalación, una imagen o serie de imágenes autónomas pintadas, texto encadenado; todos ellos trabajados siguiendo los principios que podrían ser utilizados en proyectos en espacio público. Algunos de los motivos utilizados, tales como el joven dios recostado en la primera sala y la implícita continuación con Hold On… en la obscurecida tercera sala, donde, aparte del automóvil del artista, el mismo también espera representado por una simple silueta en la pared sentado en un neumático, todo esto abrió el espacio a las reminiscencias de las obras tempranas de Korpaczewski.
Korpaczewski tiene un mensaje preciso para cada instalación, aun cuando el espectador no tiene por qué decodificar completamente esto. Frecuentemente es simplemente imposible. Quizás es más interesante seguir aquello que él deja para ser descubierto en los sub-espacios del entendimiento parcial, todo lo que comunica de instalación en instalación. No estoy pensando solamente en los espacios entre segmentos de las exhibiciones, sino también en los retrasos cronológicos entre cada presentación individual de Korpaczewski. Personalmente, en la Meetfactory había dos extensas pinturas en el muro que dominaban –un piloto de autos de carreras rezando y, en el muro opuesto, una mujer llorando bajo un árbol frutal, lo que me recordó la expulsión del paraíso. Aquí utilizó un estilo de pintura y color evocador de las portadas de libros de éxito comercial, en las que el bien triunfa sobre un mal perfectamente definido. Aun cuando las lágrimas corriendo por las mejillas de la chica eran recortes de poliestireno azul, creemos que en el mundo del que su retrato es un reflejo, esas lágrimas eran reales. La idea de peligro o de una amenaza a la vida se evoca en la imagen de una explosión atómica y también en los accidentes automovilísticos al utilizar un artículo de periódico sobre los peligros de las carreras de Fórmula 1.
Es como si se presentara un mundo en el que no hay lugar seguro y el despertar a esta realidad fuera una necesidad. La llamada a Wake Up! Puede ser tomada como un mensaje al propio artista así como a los caracteres en la instalación, que toman la forma de figuras bíblicas en varias relaciones de realidad/despertar: sueño profundo, arrepentimiento, fe, expectación, riesgo… (O una combinación… ¿El piloto de carreras Eddie? Jim Sachs reza al inicio de la carrera de las 500 Millas de Indianápolis, poniéndose luego todo su equipo protector –casco, guantes- un poco después se mata en un choque…)
El destino de las pinturas también fue bastante significativo puesto que estaban condenadas a ser destruidas al finalizar la exhibición, desde luego, estaban encadenadas a estructuras temporales abiertas, lo que crea un tema recurrente en la obra de Korpaczewski.

Respondo.
Korpaczewski inició sus estudios de diseño gráfico en la Academia de las Bellas Artes en Praga, con Cepelák, donde se concentró en la pintura, después estudio con Václav Pospísil. Por su edad, pertenece a la generación Tvrdohlaví (Necia), pero en realidad lo único que tiene en común con ellos es la década de su nacimiento. Se reúne con gente dos generaciones menores que él, pero no quiere decir que a través de su arte este unido a estas generaciones. El eslabón entre él y el contexto del arte contemporáneo Checo radica más en el hecho que Korpaczewski reacciona ante este contexto de su manera y lo enriquece. “Si existe demasiada tendencia cargándose hacia un polo, me siento atraído por el polo opuesto”.
Como una “persona que presenta un formato clásico”, sea lo que sea, siente la necesidad de una síntesis y, aun cuando responde a, o renueva una situación, lleva la responsabilidad por su arte a algún tipo de nivel impersonal. Es en conexión con esto cuando podemos ver por qué utiliza un símbolo –el artista simplemente envía al héroe KW o Q: a hacer su lucha… Al localizar su obra en espacios públicos o galerías, presenta esencialmente valores clásicos, tanto en los temas como en las técnicas. No duda en trabajar en un contexto contemporáneo con una seriedad inusual –aun cuando utiliza la ironía y más frecuentemente la auto-ironía, no es su meta mostrar todo irónicamente y por eso mismo dudar constantemente, sino más bien lo opuesto. Esta seriedad y ausencia de ironía puede ser su tema principal. Ya sea como KW o Q: convence de que es posible anteponer las ideas serias en el arte. Aunque su obra no sea a primera vista nada ambigua y fácilmente comprensibleible, está creando espacio para un mensaje serio y temas de peso.
La música trabaja de la misma manera. Igor Korpaczewski sistemáticamente se dedica a ella (por ejemplo el grupo Ich-forma o el anterior proyecto en solitario Clean Dirt). Así como es difícil poner sobre el papel la experiencia de la influencia de Q: en un espacio tridimensional, seria difícil aquí capturar la atmósfera de uno de los shows de Korpaczewski. Lo que es seguro es que la música viene de la misma fuente de donde vienen las obras de Korpaczewski en el lenguaje de las artes visuales.

01.02.2008